Historia del Anime II: Satoshi Kon

 

Análisis de la filmografía del director Satoshi Kon

En la última etapa, ya a finales de los 90’s y principios de los 2000’s, surgieron nuevos talentos como el de Satoshi Kon​, que se convirtió en la nueva figura de Madhouse. Kon entró en la industria de la mano de Otomo al ver este el talento que el joven mangaka tenía.

Laura Montero, la autora de El mundo invisible de Hayao Miyazaki, escribió un artículo dedicado al cine de Kon: La disolución de las fronteras de la realidad, en el que deja ver el talento inusual de este director:

En el prolijo y heterogéneo cajón de sastre que posibilita el anime, Kon se presenta
como uno de los autores que se mueven en el terreno del seinen -historias de temática más elaborada y adulta- pero que busca una profundización temática y visual más allá de la argucia argumental. Partiendo del núcleo primigenio de todas sus obras -véase la tensión entre lo fantástico y lo material-, se pretende desmenuzar los códigos discursivos del cineasta para desvelar los referentes que marcan su narrativa y su modo de concebir el cine de animación.

Laura Montero

Gracias a su relación con el director de Akira, Kon realizó su primer largometraje.  Este fue un thriller psicológico adulto con mayúsculas: Perfect Blue​ (1997), donde se adentra en el drama de la pérdida de identidad y  la fraccionalidad de ésta que, la cual ofrece diversas caras y hace a la protagonista cuestionarse sobre quién es su yo real.

PERFECT BLUE

En Perfect Blue (1997) el director adapta la novela de  Yoshikazu Takeuchi para crear un anime de suspense cuya historia tiene lugar en el Japón de finales de los 90. En ella, Mina, la protagonista, es una cantante de un grupo Pop (una idol) que ha decidido dejar a un lado la música y apostar por la interpretación en cine y televisión. Algunos de sus antiguos fan rechazan este cambio y sus comienzos en la industria de la TV no son fáciles. Su crisis se agrava cuando descubre que su vida está al alcance de cualquiera en Internet y que alguien la está vigilando. Cuando la serie empieza a emitirse por televisión, Mima comprueba que la ficción se reproduce en su vida real: sueño y realidad se confunden hasta el punto de cuestionarse su propia identidad.

Mima empieza a mezclar realidad y ficción. y comienza a comunicarse con una Mima virtual que adopta la imagen de su pasado como cantante. Su miedo le lleva a pensar que ella es la responsable de los asesinatos. confunde su vida cotidiana con las escenas de la serie en la que trabaja -en la que encarna a una asesina demente. La Mima ensalzada por Mimaniac, la imaginada por la protagonista en diversos reflejos, el personaje de la serie y la Mima asesina creada por Rumi, verdadera asesina de la película, se entremezclarán con la verdadera para intentar acabar con ella.

¿Os suena de algo? Darren Aronofsky se basó en Perfect Blue para rodar Cisne Negro (2010).

La mezcla y la repetición de escenas idénticas con idénticos intérpretes pero diferentes personalidades -Mima- la actriz que le da la réplica y los personajes de ambas- ayudan a expresar plásticamente la noción de la dispersión del yo individual; y permiten experimentar con el espacio y con el tiempo, descontextualizando a la protagonista de sus referentes cotidianos y aturdiendo al espectador en un juego de semblanzas -algo tramposo- que se reflejan unas en otras. El vídeo. manipulable en su visionado.
permite la aparición de la noción del sueño. de la ficción dentro de la realidad, y de la realidad dentro de la ficción.

Laura Montero

 

Esto mismo se enfatiza en la aparición de ciertos elementos como espejos, personajes parecidos físicamente e Internet, el mundo virtual que por entonces estaba despegando y que permite mostrarnos con una personalidad diferente a la real.

 

MILLENIUM ACTRESS

Su siguiente título fue ​Millennium Actress ​, donde muestra su verdadero potencial a la hora de montar y hacer encajar las escenas .En mi opinión, Kon era un genio a la hora de elegir el montaje de sus películas, y no solo destacaba a la hora de analizar sus personajes. Si bien la obra no presenta una trama adulta como tal, la complejidad narrativa que presenta la hace muy difícil de seguir para el público infantil y juvenil.

 

Millennium Actress trata de Chiyoko Fujiwara, quien fue la estrella más importante del cine japonés durante varias décadas, sin embargo, dejó de actuar de manera repentina . Uno de sus mayores admiradores, el enérgico realizador de documentales  Tachibana, viaja hasta el refugio de montaña en el que vive para entrevistarla. Allí,  lle entrega a la actriz una  llave que encontró entre los restos de un antiguo estudio de cine. Es así como Chiyoko comienza a recordar la historia de su vida. Viajaremos a través de su memoria, en un recorrido que nos adentrará en la historia del cine japonés y del propio país, así como en la emotiva historia de una mujer manipulada que nunca dejaría de intentar cumplir su verdadero sueño, reencontrarse con el hombre al que ama.

 

La película se convierte en una lección de historia japonesa. El artículo Millennium Actress: Una mirada del citado José Rodriguez, destaca que esa muestra de la historia japonesa se hace a través de homenajes al cine japonés. Como es el caso de las películas de samuráis (Jidaigeki) de Kurosawa,  las naturalistas (Gendaigeki) de Ozu e, incluso las películas de monstruos y destrucción como Godzilla y las de ciencia ficción

 

La trama y realización gráfica de este trabajo fílmico comporta el estudio pormenorizado de las propias referencias culturales; las cinematográficas nacionales e internacionales; los actos bélicos de las dos guerras Sino-japonesas y la Segunda Guerra Mundial; y de manera relevante, el nuevo cine de posguerra. El uso de tan variadas fuentes, el esfuerzo creativo de hacerlas creíbles, demuestra que Kon se proponía enriquecer el universo del “anime” con elementos valiosos de la cultura nipona en particular, e internacional en general.

José Rodríguez León (2013)

 

El otro punto fuerte de la película además de su historia es su complejo montaje y los recursos narrativos que usa para crear esos laberintos de la memoria que muestra en la película. Estamos acostumbrados, en parte a la influencia de Disney y al de las series de TV, a que las narraciones en la animación sean simples, que comiencen en un punto en concreto y terminen en otro.

 

Podríamos establecer que es una película dentro de otra película, que usa tres componentes para llevar este atributo al máximo: La vida real de la actriz, los recuerdos de esta y las películas en las que participó. Estos tres elementos se unen a la perfección gracias al documental que están rodando de la actriz.

 

Saber entender la unidad de la película es fundamental para no perderse en una línea del tiempo que mezcla pasado y futuro de forma lineal. Puede llegar a parecer que se crea una nueva realidad mediante la mezcla de los recuerdos, las películas y del tiempo presente, pero no es el caso, sino que, con atención, uno distingue los diferentes tiempos y realidades. No obstante, es preciso detallar que Chiyoko, la actriz, moldea sus recuerdos; lo que hace que el presente actúe en ellos y añada complejidad a la película.

 

 

En lo relativo a la estética podemos afirmar que supone un avance en la calidad de la imagen frente a Perfect Blue, debido al mayor uso del ordenador. Esto supuso que se añadieron elementos propios de la vida y cultura japonesa, con el resultado de una película cargada de simbolismo. Las grullas, la madera y la flor de loto, que aparecen de manera constante en los decorados y atrezzo de todo el largometraje, incluidos presente y pasada, simbolizando la unidad de todo lo que vemos, aunque parezcan realidades diferentes. Cohesionan toda la historia, que viene y va entre recuerdos y vivencias. Los terremotos ayudan al espectador a entender un cambio en la vida de la protagonista.

 

También podemos encontrar multitud de metáforas si prestamos atención, como las que se usan para indicar el paso del tiempo: un tren que adelanta a un carro de caballos, etc. Es una manera de expresar lo rápido que pasa la vida. Las flores que enmarcan estas imágenes indican la fugacidad de la belleza.

 

El uso del color en la película también conlleva significado. En las secuencias de recuerdos se utiliza el blanco y negro; los tonos sepia y colores brillantes para resaltar a los personajes. Se utilizan para dar sensación de película antigua.

 

La secuencia del encuentro entre Chiyoko y el Pintor reproduce la escenografía
con colores completamente lavados, casi grises, mientras que la actriz y el Pintor muestran mayor colorido aludiendo su importancia. (…) Mientras que a nivel internacional pueden pasar desapercibidos, al igual que en las obras de Ozu o Mizoguchi, estos detalles se convierten en una poesía de la cotidianidad, lo que permite una mayor identificación del público con la puesta en escena del filme.

José Rodríguez (2013)

 

 

Como se aprecia, Millennium Actress elevó el nivel de la animación japonesa fuera del Studio Ghibli. No sólo por su estética, sino por lo original de su temática narrativa, que pide un esfuerzo al espectador para que ordene en su cabeza lo que está viendo.

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TOKYO GOFATHERS

En 2003 se estrenó su tercera película, Tokyo Godfathers (2003), con la que se confirmó como uno de los grandes nombres del anime, no sólo adulto, pues esta película resulta recomendable a cualquier edad.

 

Estructuralmente es la película más sencilla de las cuatro que realizó Kon. Tokyo Godfathers podría ser la típica película navideña para toda la familia hasta que entendemos la profundidad que presentan los personajes y cómo la vida se les puso cuesta arriba.

 

Los protagonistas parecen unos indigentes ordinarios, con una vida aburrida y sin nada que  cause compasión al espectador. Al principio dan la impresión de ser desagradables y no ofrecer nada a la película  No obstante, este grupo, formado por un hombre de mediana edad, una joven y una  mujer transexual , muestran una complejidad mucho mayor que la vista en películas para un público amplio, como las del Estudio Ghibli. Sobre todo cuando encuentran a un bebé entre la basura y aceptan la responsabilidad de cuidarlo.

 

 El detonante de la historia será la casualidad y ésta guiara en todo momento a los personajes hasta el happy end requerido por el particular cuento de navidad que se nos presenta. Desde la Nochebuena-fiesta extranjera e importada- hasta el día de Año Nuevo -celebración netamente japonesa-. un travesti, un borracho y una adolescente con tendencias parricidas se lanzan a la busca de los padres de un bebé que han encontrado en la basura. Vagabundos sin hogar. convertidos en familia aparentemente por estricta necesidad; el devenir de los acontecimientos revela que los personajes no eran lo que decían ser o lo que aparentaban en un inicio. A través de las andanzas de estos parias, Kon se interroga sobre el valor de la familia y denuncia la existencia de un sector marginal dentro de la milimétricamente organizada sociedad japonesa

Laura Montero Plata

 

El hombre, Gin, es un ex alcohólico que abandonó a su familia, la mujer transexual, Hana, era una cantante de cabaret ;y la más joven, Miyuki, huyó de casa tras atacar a su padre en una disputa doméstica. Es curioso que el motivo de acción de estos personajes y todo lo que les ocurre, el bebé, sea el personaje que menos diálogo tiene. Es decir, el motor de la historia, el personaje en torno al que todos los demás giran, es el menos protagonista en la narración.

 

Más que el montaje, lo que la hace una película para adultos son las denuncias y las situaciones que se cuentan en ella, las cuales son reflejo de la sociedad japonesa contemporánea:  los sin techo, a los que impregna de una humanidad que la sociedad les quita, el tema del dinero, de la venganza, la familia, etc. Todo lo que cimenta las vidas de los individuos. Tokyo Godfathers muestra los lazos que cada uno de nosotros tiene con los extraños en una historia cargada de milagros reales.

 

Tokyo Godfathers no es apropiado para los espectadores más jóvenes, y sé que hay personas mayores que no se imaginan a sí mismos sentados en medio de una animación para adultos de Japón. Pero hay un mundo por descubrir. Y a veces, como en esta película y en la gran «Tumba de las luciérnagas», los temas son tan angustiosos que solo la animación los hace posibles. No creo que me gustaría ver una película en la que un bebé real haya tenido las aventuras que tiene.

Rogert Ebert (2004)

 

Tokyo Godfathers (2003) fue toda una sorpresa en el ámbito de la animación japonesa por la forma en la que trataba los temas y cómo los unía a través de coincidencias. Sin duda es una de las mejores películas de animación sobre los problemas de la vida , sin un gran conflicto que ataque a los personajes (no presenta una gran tragedia).

 

 

 

PAPRIKA

 

Su última película, ​Paprika​ (2006), fue la que más fama internacional dio a su director y, es posible que sea la más difícil de entender de toda su filmografía.

 

Paprika contó con una gran aprobación de la crítica y estuvo nominada para competir por el León de Oro en Venecia, festival que ya había ganado una película japonesa de animación: El viaje de Chihiro (2001). La complejidad que ofrece la película se debe a la mezcla entre el mundo real y el onírico:

 

Así como “El año pasado en Marienbad” (L’année derniere a Marienbad, 1961 de Alain Resnais) borra la línea entre la memoria y la fantasía, Paprika, de historia lineal y montaje narrativo, construye un mundo que pasa de la realidad a los sueños y de vuelta al mundo real degenerado por las manipulaciones del antagonista. Las imágenes producen sensaciones propias de un montaje poético promoviendo que el espectador reaccione ante las secuencias oníricas que, al desarrollarse dentro de entornos reales, crean una disparidad entre las imágenes lo que acrecienta el asombro y la confusión. No obstante, los sucesos que ocurren y la forma en que se narra la historia es cronológica —salvo la inclusión de una analepsis— y se enmarca dentro del montaje narrativo.

José Rodríguez León (2014)

 

Paprika (2006) adapta la novela homónima de Yasutaka Tsutsui, en la que se narra cómo la psiquiatra Chiba ha inventado un método para tratar a sus pacientes desde sus sueños. La terapia consiste en introducirse, con un dispositivo Mini DC, en la mente de los pacientes para tratar sus ansiedades, sus sueños y evitando la necesidad de que sean narrados, además de poder  grabarlos.

 

Tres prototipos experimentales, los cuales todavía no se les habían añadido restricciones de seguridad, so robados. Estos permiten a los usuarios ver los sueños y explorar los pensamientos inconscientes de las personas conectadas a la máquina de psicoterapia desde cualquier lugar. Los ladrones comienzan a utilizarlo para invadir las mentes de los encargados del desarrollo, afectándolos por el contacto que mantienen con el Mini DC,.

 

Es entonces cuando Paprika, una empleada de Chiba, investigará dentro de los sueños para descubrir a los ladrones, además de entender sus verdaderas razones para tal robo.

 

No obstante, la investigación se cumple con éxito al rededor de la mitad de la película, y es que el resto, la parte más impactante a nivel visual, tiene como objetivo corregir los daños causados por el mal uso de estos aparatos y la investigación de Paprika.

 

 

Quizás la trama os recuerde a la película Origen (2010) de Christopher Nolan. El director británico se basó en la cinta de Kon, además de otras muchas (como The Matrix),para realizar una de sus películas mejor valoradas.

 

Ambas películas tratan a los sueños como un lugar donde conseguir algo, en una para extraer información al paciente y en la otra para curarle. Además en las dos se muestran las repercusiones negativas de utilizar tanto los aparatos para entrar en el sueño de los pacientes, algo que acaba por afectar gravemente a los protagonistas. Sin embargo creo que el punto más interesante que tienen en común y que más juego da para la historia y para el espectador es el hecho de que en los momentos finales no sepamos separar los distintos planos de realidad y de ficción, puesto que la propia película no nos da información suficiente para conseguirlo. Además este es el recurso principal de las dos y lo que provoca que el espectador se haga más preguntas cuando termina de ver la película.

Carlos Sanz (2010) extracine

 

 

Kon no realizó ninguna otra película. En mayo de 2010 le fue diagnosticado un cáncer de páncreas mientras trabaja en una película que, a día de hoy, no ha visto la luz. No obstante, nos dejó cuatro películas, que bien merecen un puesto destacado en la historia del anime, y una serie de televisión tan moderna en su origen que hoy en día sigue causando admiración: Paranoia agent (2004)

 

PARANOIA AGENT

 

Para terminar con la filmografía de Satoshi kon, nos detendremos en un trabajo muy personal realizado para Televisión con el estudio Madhouse: Paranoia Agent​. La experiencia de ver esta serie es única. No hay una una serie en estructura, temática y estilo igual que ésta.

La serie comienza cuando Sagi Tsukiko, creadora de un personaje animado, denuncia haber sido atacada en la calle por un muchacho con un bate y patines dorados. La noticia trasciende y junto a la investigación policial se suma la serie de rumores sobre el chico del bate, su apariencia, forma de actuar y motivos.  Lo que comenzó como un simple ataque individual se convierte en un suceso a gran escala al haber nuevas víctimas y  que éstas, tras ser atacadas, se liberan de los problemas que los angustian.

 

Es así como una serie de historias y personajes comienzan a mezclarse, ya que, tras extenderse la noticia de que el Chico del Bate puede liberar a la gente de sus problemas, este parece ser llamado por los anhelos de aquellos que se sienten desesperados.

 

En la serie Kon ofrece todo lo que no ha podido meter en sus películas, sobre todo, lo relacionado con los problemas de la sociedad japonesa: bullying, prostitución, ansiedad por el trabajo, suicidio, corrupción, adulterio… Todo esto a través de unos personajes relacionados entre sí por la figura de el Chico del bate.

 

Al leer el trabajo de Ana Gorría Ferrín La identidad como causa trágica : Lo real y su doble en Paranoia Agent de Satoshi Kon  y el citado José Rodríguez, uno comprende la complejidad estructural de esta obra y sus dobles significados; de hecho, hasta el estilo de la animación cambia según los sentimientos de cada protagonista:

 

“Su línea narrativa se aleja de la forma comúnmente utilizada, pues aunque la historia se desarrolla de la forma habitual, la estructura la conforman nueve líneas diferentes, que interactúan con la principal: los ataques de El chico del bate. Los hilos narrativos principales son: la frustración de Tsukiko que no logra crear otro personaje tan exitoso como el actual, Maromi; el atropello y muerte de un señor mayor, situación con la que tiene que lidiar Akio; el cambio de colegio de Shogo por el acoso sufrido en el anterior; la pérdida de popularidad de Ichi en el colegio; los intentos de Harumi por superar su síndrome de doble personalidad; la doble vida de Hirukawa como oficial de policía y soplón de la mafia; el enfrentamiento de Taeko a la pederastia de su padre y la investigación y destitución de los policías Ikari y Maniwa.

 

La introducción de los personajes se da por capítulos, la línea narrativa inicia con El chico del bate atacando a Tsukiko y continúa con los demás personajes, lo que inevitablemente trae la investigación por parte de la policía. El desarrollo es la investigación de los ataques como hilo conductor, aunque en los capítulos del ocho al diez pasará a segundo plano y el público escuchará la versión de dichos eventos como segunda persona.”

José Rodríguez León (2014)

 

 

Todos los personajes protagonistas tienen en común que son personajes negativos. Son vagos, infieles, prepotentes o han perdido las ganas de vivir. Estos protagonistas, que ha perdido el sentido de la ética y el civismo son víctimas de una sociedad que promueve la posesión de bienes materiales como sinónimo de éxito.

 

En cada capítulo vemos a un nuevo personaje que vive angustiado por sus deudas, su falta de popularidad, su obsesión por el físico o por las notas de un examen. No dudan en perjudicar a los demás si con ello se benefician y, como nunca es suficiente, la angustia de su obsesión atraerá al chico del bate para quitarles sus preocupaciones.

 

Como es observable, a través de estos personajes el conflicto que se presenta (y
que es tematizado) por Satoshi Kon en Paranoia Agent se centra en las relaciones entre individuo y sociedad, entendida ésta como rutinas y hábitos codificados de consumo y pensamiento que obligan a los sujetos a desarrollar fantasías alternativas que les niegan el contacto con lo real.

La obra propone en consecuencia dos líneas de reflexión sobre la tragedia del
ser contemporáneo: en primer lugar, la relación entre identidad personal y la sociedad, concebida como una distopía que algunos autores como Hanson con anterioridad han denominado consumotopía; en segundo lugar, y como consecuencia de esa relación coercitiva, la elusión de lo real a través de una generación de dobles vidas, negaciones(suicidio), delirios en la fantasía como formas de eludir la crueldad de lo real.

Ana Gorría Ferrín (2012)

 

 

Esta forma de encajar las piezas de la historia y los personajes, hace de Paranoia Agent una serie peculiar:  Lo normal es tener unos pocos personajes protagonistas que se harán familiares al público a través de relatos individuales por capítulo o durante una historia que dura la totalidad de la serie. En el caso de Paranoia Agent se presentan historias individuales con diferentes personajes principales por cada capítulo y cuyo final usual es el ataque del antagonista.

 

La serie se cierra simbolizando el olvido de la sociedad, pues es como un bucle por el que la historia podría volver a repetirse infinitas veces, con infinitos personajes.

 

Uno de los capítulos que más me gustaron de la serie fue el quinto. En él se nos cuenta la historia de un grupo de personas que se conocen en internet y cuya intención es suicidarse. En el momento en el que quedan por primera vez en la vida real aparece un anciano, un hombre de mediana edad y una chica joven.  Tanto el viejo como el hombre de mediana edad intentan que la chica no se quite la vida, pero ésta siempre acaba por encontrarles. No obstante, son incapaces de matarse, pues siempre que lo intentan resulta en un fracaso.

 

El final de éste capítulo es diferente al resto. Son los propios personajes los que imploran que el chico del bate les golpeé, pero éste huye al tener miedo de los suicidas. Sin embargo, son tantas las experiencias que estos personajes viven juntos que entablan una amistad por la que vale la pena vivir y se olvidan de su deseo por suicidarse.

 

 

La animación japonesa seguiría evolucionando, pero sin tanta originalidad como la mostrada en los trabajos de Kon. A pesar de ello, se está viviendo un auténtico Boom por el anime en Occidente. Nunca habían llegado tantas series y películas, y, poco a poco, llegan más nombres que destacan entre otros; como el de Makoto Shinkai o Mamoru Hosoda. Lo veremos en una entrada futura.

 

Ángel Cuesta

Septiembre 2018

 

BIBLIOGRAFÍA

-Montero Plata, Laura. La disolución de las fronteras de la realidad. Disponible en : https://revistas.uam.es/secuencias/article/viewFile/4081/4350

-Rodríguez León, José. Millennium Actress: Una mirada. Disponible en:  https://riunet.upv.es/bitstream/handle/10251/27468/1436-3959-1-PB.pdf?sequence=1

-Rodríguez León, José. 2014. El cine de animación japonés : un estudio analítico de la obra de Satoshi Kon. Disponible en: https://eprints.ucm.es/24731/1/T35201.pdf

-Ebert, Roger. 2004, Tokyo Godfather Review. Disponible en: https://www.rogerebert.com/reviews/tokyo-godfathers-2004

-Sanz, Carlos. 2010. El origen de Inception: Paprika. Disponible en: http://extracine.com/2010/09/origen-inception-paprika

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