LA MUJER EN EL CINE ESPAÑOL DESDE LOS 70

 

 

El cine español a comienzos de los 70 estaba dominado por las películas de Oposición (como las de Saura y Erice); las de la conocida como «Tercera Vía» (con títulos tan sugerentes como Mi mujer es muy decente dentro de lo que cabe y, sobre todo, por las taquilleras películas cómicas del conocido Landismo.

 

 

En estas comedias eróticas se mostraban los problemas del español medio y sus preocupaciones ante los cambios de la modernidad. Eran películas muy conservadoras, que servían de escaparate para el régimen al mostrar lo mejor de las ciudades.

 

 

Se mostraban mujeres extranjeras fascinadas por la virilidad y el vigor de los hombres españoles, el macho íbero. Un macho que iba a quedar impotente tras la muerte de Franco, en 1975.
La mujer española, en esta comedia erótica, son, de forma mayoritaria, consumistas y superficiales, cuya única motivación sexual era el matrimonio.
Una imagen denigrante.

 

Este cine derivó en lo que se conoce como el destape pero, por suerte, la figura de la mujer empezó a cobrar mayor protagonismo, y reclamar el papel que se merece.

 

 

 

LA TRILOGÍA FEMINISTA

 

Tres mujeres que empezaron a dirigir películas a comienzos de los setenta y que abrieron las puertas al resto de mujeres realizadoras que hay hoy en día.

 

 

– Josefina Molina

 

Molina se convirtió en la primera mujer que se hizo con el título de directora-realizadora en la Escuela Oficial de Cine, a finales de los sesenta.
En 1973 dirigió su primer largometraje, Vera, un cuento cruel,  donde se adentra en el cine de ambientación histórica, género en el que destacaría en las décadas siguientes, como con el título Esquilache (1988).

 

 

En 2006 fundó CIMA, una asociación de mujeres cineastas y miembros de medios audiovisuales; y recibió el Goya de honor en 2011.

 

 

 

– Cecilia Bartolomé

 

Inició su carrera en la publicidad y es conocida por su trabajo Después de.. dividido en dos partes, cuya primera parte, No se os puede dejar solos (1981), fue secuestrada por la administración y no pude ser estrenada hasta 1983.

 

 

Con la cámara colgada al brazo y el micrófono abierto, los hermanos Bartolomé se dedican a grabar en muy diversos ambientes en el amplio espectro político del momento. La voz de quienes intervienen se crea a través de la presencia de la cámara, que es la tecnología que posibilita la información.

El reportaje va a contraponer la historia del estado, con imágenes del entierro de Franco o de noticias emitidas en el NODO, a la memoria de los ciudadanos, con testimonios directos y espontáneos que son reacciones concretas a la realidad de su tiempo. Esa memoria incluirá desde luchas y reivindicaciones de diversos grupos sociales, hasta reclamaciones autonómicas y tensiones ante las agresiones violentas de grupos radicales.

Las voces que se dan cita en el doble reportaje, a través de las reacciones y posiciones que ocupan sus cuerpos, rompen con la idea de una transición hacia la democracia sostenida en el consenso.

(Wikipedia)

 

 

– Pilar Miró

 

Pilar Miró es, de forma probable, la directora más importante en la historia del cine español, no sólo por sus películas, sino por sus decisiones a cargo de la Dirección General de Cinematografía y su periodo al frente de Radio Telecivisión Española.

 

Quiso renovar el cine español gracias a la conocida como Ley Miró, que redujo la cantidad de producciones, pero aumentó su calidad. Se terminó con el cine de destape y se dieron ayudas a películas que adaptasen libros y que contaran con estrellas del cine español, como es el caso de El rey pasmado (1991) de Imanol Uribe; películas que debían tener un acabado de calidad.

 

 

Además de su labor al frente de estas corporaciones, Pilar Miró nos dejó títulos que han pasado a la historia de nuestro cine, como es el caso de El crimen de Cuenca (1979). Esta película sufrió la censura implícita de esta época, debido a las escenas de tortura infligidas por la Guardia Civil a dos sospechosos de un crimen.  La película tuvo que esperar para poder ser  estrenada, convirtiéndose en un éxito.

 

 

LA MUJER EN EL CINE DE PEDRO ALMODÓVAR

 

Pedro Almodóvar, el director español en activo más internacional de nuestro cine, ha hecho de las construcciones de las mujeres su primera baza, tanto estética como temática. La representación de la mujer en sus películas, entendida como grupo y género, se ha convertido en el sello propio del autor.

 

 

 

El director manchego nos ofrece un amplio abanico de representaciones de mujeres, con una multitud de oficios ejercidos por estas; así como diferentes actitudes antes el mundo laboral y personal.
Esta amplitud a la hora de la representación, su heterogeneidad de roles y representaciones, imposibilitan el estereotipo, y aluden a la artificiosidad del género.

 

 

Es cierto que el humor está siempre presente en sus películas, pero no por ello los temas que trata dejan de ser serios. En su filmografía podemos ver los efectos desastrosos del orden represivo patriarcal; la representación de personas marginalizadas e identidades alternativas que rechazan la identidad nacional homogénea creada por el franquismo.

 

 

Almodóvar presenta a sus personajes y modos de vivir alternativos como naturales, no como violaciones de las normas sociales. Es así como rescata la identidad nacional de las garras represivas y monolíticas del régimen militar.

 

 

En su cine podemos ver la construcción social del género como una manipulación teatral. Las numerosas referencias metateatrales en su cine nos revelan la teatralidad de nuestro papeles sociales.
Si nos fijamos en los títulos de crédito de Mujeres al borde de un ataque de nervios (1988), nos daremos cuenta de la cantidad de instrumentos usados en la construcción de la feminidad (maquillaje, ropa, etc.), enfatizando la artificialidad de la identidad femenina.

 

 

En su película del 84, «¿Qué he hecho yo para merecer esto?», el concepto de identidad performativa se encarniza en el personaje de la prostituta, Cristal, quien construye su identidad sexual por medio del disfraz; adoptando diferentes papeles para complacer los deseos de sus clientes.
Algo parecido sucede en Matador (1986), donde su protagonista, María, cambia de ropa para alternar entre dos identidades: abogada respetada y femme fatale.

 

En La ley del deseo (1987) el personaje transexual, Tina, se convierte en un vehículo para explorar los temas de la flexibilidad de la identidad de género, pues ha vivido como hombre y como mujer, además de haber tenido relaciones sexuales con los dos sexos. Este personaje es de vital importancia, pues muestra que la identidad de género no es fija ni estable, y que no tiene por qué corresponder al sexo biológico.

 

 

En una de sus películas más populares, Todo sobre mi madre (1999), nos encontramos con el ex-marido de Manuela, Esteban/Lola, quien es un transexual medio-transformado. Este personaje, a pesar de identificarse como mujer, es bisexual y machista. La combinación de los elementos físicos y psicológicos de los dos sexos niega las oposiciones binarias de Hombre/Mujer y de Masculinidad/Feminidad, tan esenciales en la estructura social patriarcal del régimen anterior.

 

 

Muchos personajes femeninos de sus películas exageran con sus comportamientos y forma de vestir, ciertos rasgos asociados a lo femenino. Subvirtiendo así el discurso masculino, al exponer la artificialidad de la construcción de la feminidad. Un uso de la mascarada para ocultar intenciones transgresoras.

 

 

Almodóvar es capaz de usar el poder de la parodia propia del carnaval, proporcionando un espacio en el que las reglas del grupo dominante pueden ser suspendidas. Esta parodia se expresa mediante la imitación grotesca o a representación hiperbólica, exponiendo la hipocresía y lo absurdo de las convenciones sociales normalizadas por el grupo dominante.

 

 

El director es capaz de apropiarse de los símbolos culturales creados por el franquismo. Por ejemplo, la imagen cultural del padre como protector sabio de la familia se convierte en un padre inútil y abusador, como podemos ver en Volver (2006).
Esto también se ve en la figura de los curas, quienes dejan de ser los guardias de la moralidad, convertidos en pedófilos, como en La mala educación (2004).

 

BIGAS LUNA Y SU IMAGEN DE MUJER

 

Bigas Luna se convirtió, en los 90, en uno de los directores más conocidos del panorama cinematográfico español en ese momento. En parte gracias a películas como Las edades de Lulú (1990), en la que adaptó la novela homónima de Almudena Grandes; y a la conocida como «trilogía ibérica», en la que se encuentra su película más famosa Jamón, Jamón (1992), contando en el reparto con unos jovencísimos Penélope Cruz y Javier Bardem.

 

 

En películas como las mencionadas de forma anterior, explotó el arquetipo de mujer pasional y carnal, de condición cercana a lo animal; dominada por las leyes del instinto y no de la razón. Como consecuencia, fue acusado, al mismo tiempo, de misógino y feminista, por unos y otros.

 

Muestra mujeres sexualizadas, pero lejos de las películas del landismo de los setenta. Aquí, la mujer, se muestra mucho más activa.

 

 

LA MUJER EN EL CINE DE AMENABAR

 

No hay mucho que decir sobre la mujer en el cine de Alejandro Amenábar, en parte por ser un cineasta muy fiel al estilo de Hollywood, donde predominan los estereotipos clásico.
Por ejemplo, en Abre los ojos (1997), se nos muestra la típica división de la mujer: la buena y virginal; y la fatal.

 

 

No obstante, en sus últimas películas ha mostrado mujeres más complejas, que no son sólo un accesorio a los personajes masculinos, como el caso de Ágora (2009)

 

 

LAS NUEVAS DIRECTORAS DE LOS NOVENTA A NUESTROS DÍAS.

 

Con la Cosecha de los noventa, la mujer empezó a tener más espacio en la dirección cinematográfica, sobre todo, en un cine más de autor y cercano.

 

 

Podríamos destacar dos nombres en los noventa, que aún siguen dándonos notables trabajos:

 

Isabel Coixet, con un cine más intimista e internacional, de historias más melodramáticas y profundas, como Cosas que nunca te dije (1996), Mi vida sin mí (2003) y La vida secreta de las palabras (2005), película por la que ganó el Goya al mejor director (directora, en este caso) y al mejor guión original. Premio que volvería a ganar en 2018 con la cinta La librería(2017)

 

 

Icíar Bollaín, quien debutó en el cine como actriz, cuando era una niña, en la película de culto El sur (1983), de Víctor Erice. Sus películas suelen estar protagonizadas por mujeres, de forma mayoritaria, pudiendo hablar, en su caso, de un cine genuinamente femenino. Tal es el caso de películas como Flores de otro mundo (1999), de la que ya hablé en un anterior artículo, de Mataharis (2007), donde se relata la historia de tres mujeres, detectives en el espacio de lo público, pero preocupadas por sus problemas como mujeres en lo privado.

 

 

La película de Bollaín que más repercusión tuvo fue Te doy mis ojos (2003), por la que obtuvo el Goya a la mejor dirección y mejor guión original.
Fue una de las primeras películas españolas que retrataban la violencia de género de forma tan detallada. Tanto desde el punto de vista de la víctima, como el del agresor. Mostrando, también, a esas personas que están al rededor, que pueden condenar o salvar a la víctima.

 

 

Nuevas directoras se han hecho un hueco en el panorama cinematográfico español, con propuestas más o menos arriesgadas, pero siempre con historias originales y creativas.
Mar Coll, con Tres días con la familia (2009), donde se representan figuras femeninas que llevan a cabo roles distintos.

Pula Ortiz, con su creativa y original adaptación de la obra teatral de Lorca, Bodas de sangre, en La novia (2015). Y la recién llegada Carla Simón y su premiado debut, Verano 1993(2017). Película que fue la seleccionada para representar a España en los premios Oscars de 2018.

 

 

 

Como vemos en el artículo, la figura de la mujer en el cine ha dado pasos de gigante hacia un mayor protagonismo y reconocimiento en las últimas décadas. Las historias que protagonizan son más numerosas y más reales, con lo que el papel de la mujer protagonista en el cine se hace hueco poco a poco para llegar al nivel que se merece.

 

Ángel Cuesta