PINTORES EN EL CINE

 

 

El cine es la unión de otros campos artísticos, de ahí que él participen numerosos artistas, desde músicos hasta coreógrafos, pintores y escritores.

 

 

Como ya hice en una entrada anterior, en la que veíamos el trabajo y sacrificio de músicos, reales y ficticios, en diversas películas; en esta me centraré en otro tipo de artistas: Los pintores. Más específico: Pintores en el cine.

 

 

EL ARTE DE LA PINTURA

 

La pintura es una de las artes más antiguas con las que el ser humano se ha expresado. Desde que los primeros homo sapiens dejaran sus huellas en la pared de las rocas hasta nuestros días, se ha dado lugar a un sinfín de estilos y de autores que llegan hasta nuestros días.

 

 

Encontramos pinturas en las paredes de los templos egipcios, en los casas romanas, donde decoraban los muros de las casas. Después en multitud de templos religiosos, desde las primeras catacumbas paleocristianas hasta las iglesias más recientes; pues la religión ha sido el principal impulsor y detractor de este arte.

 

 

La iglesia era la principal mecenas; tenía tanto poder que, en la Edad Media, podía decidir qué se podía pintar y qué no. Con la liberación paulatina del yugo eclesiástico, los artistas encontraron nuevas formas de expresarse y nuevos temas que plasmar en sus obras.

 

 

Pintura histórica, retrato, de la vida cotidiana, paisajes, desnudos… Todo tiene cabida en las hábiles manos de un pintor. Su arte ha evolucionado como lo ha hecho la sociedad de su tiempo. A principios del siglo XX, después de la Primera Guerra Mundial, las vanguardias redefinieron los límites de este arte, al igual que la sociedad de la época recibía el shock que supuso la guerra y el conocer nuevas culturas (véase la influencia africana en la obra de Picasso «Las señoritas de Avignon»).

 

 

El cine iba a hacer de la pintura y los pintores uno de sus mejores aliados. No sólo en la creación de la escena, como hizo Salvador Dalí en la película de Hitchcock «Recuerda» (1945), sino que los propios artistas acabaron por ocupar el protagonismo de la historia.

 

 

 

PELÍCULAS SOBRE PINTORES

 

 

Aquí un repaso de algunas de las películas que se han centrado en los pintores y que han servido a muchos para conocer un poco más de ellos y de la pintura:

 

 

EL LOCO DEL PELO ROJO«(1956)

 

 

 

Notable adaptación de la novela de Irving Stone, en la que se retrata la vida atormentada de Van Gogh, salpicada por la soledad y el fracaso. Una película imprescindible para todo amante de la pintura, no sólo impresionista, pues asistimos a toda una vida de evolución artística y a la presencia de otros pintores de renombre como Paul Gaugain, Pisarro y Seurat.

 

 

El filme se inicia en Bélgica, con un joven Van Gogh muy cercano a la religión, para después continuar con su descubrimiento en París de los pintores impresionistas y sus obrass, muy diferentes a todas las que había conocido con anterioridad.

 

 

La película encuentra su punto fuerte en el carácter del artista, interpretado con maestría por Kirk Douglas, plasmando en la pantalla la importancia que para él tuvo las relaciones con Gaugain y su hermano Theo, quien le ayudó de forma económica en todos los lugares en los que el artista vivió.

 

 

Una de las últimas películas que tiene a la pintura en el centro de mira también gira en torno a la vida del artista holandés, «Loving Vincent» (2017). Una película en la que cada fotograma ha sido pintado , y en la que han participado numerosos artistas.

 

 

 

«FRIDA» (2002)

 

 

Biopic de , la ya icónica, Frida Khalo; pintora mexicana que dejó una gran huella en el imaginario del arte y de la sociedad por su carácter radical y revolucionario. Una mujer fuerte que tuvo una vida muy difícil, marcada por ciertos acontecimientos( el infortunio de contraer poliomielitis y por un grave accidente en su juventud ) y relaciones que la llevaron a ser la mujer que fue. Una artista en todos los ámbitos.

 

 

La película presta especial atención a su relación con con su marido y también pintor Diego Rivera,  con el que estuvo casada 10 años. La relación, como refleja la película, no fue nada fácil y vino marcada por las aventuras de Diego con otras mujeres (que llegaron a incluir a la propia hermana de la pintora) y de las propias infidelidades de Frida, de quien se dice tuvo un affaire con el propio León Trotski.

 

 

La mente y corazón de la artista mexicana queda plasmada en sus obras, que son el reflejo de su traumática vida y la cultura de su país natal. Su obra, admirada por los artistas de su tiempo, no obtuvo el reconocimiento que debiera hasta la década de los 70.

 

El filme, protagonizado por Salma Hayek, obtuvo 6 nominaciones a los premios Oscars, de los cuales ganó 2: Mejor maquillaje y Banda Sonora Original.

 

 

«MAUDIE, EL COLOR DE LA VIDA» (2016)

 

Continuamos con otra mujer a la que la sociedad tampoco se lo puso fácil. Maud Lewis, pintora canadiense, conocida por su obras folclóricas, que consiguió la atención nacional, en 1964, por un artículo publicado en la revista de Toronto Star Weekly y en 1965, apareció en un programa de éxito en televisión de la CBC Television.

 

 

La vida de Maud, tal y como se aprecia en el filme, no fue un camino de rosas. Sufrió artritis reumatoides desde su juventud, lo que marcó su vida y su obra. La sociedad no la tomó en serio, en parte por ser mujer y en parte por sus problemas físicos.
No obstante, al igual que Frida se mostró fuerte, Maud se mantuvo optimista toda su vida

 

 

Tras ver un anuncio en el que un pescador local, Everett Lewis, buscaba asistenta, no dudó en abandonar a la familia que la despreciaba e irse a trabajar con Everett, con el que tuvo un primer contacto duro y frío. Estos dos polos opuestos aprenden a convivir y llegan a casarse, mientras que las postales que Maud pintaba por hobby se convierten en un fenómeno de masas.

 

 

El filme recibió, en general, críticas positivas; sobre todo para sus dos actores protagonistas, Sally Hawkins y Ethan Hawke. Pero lo más importante fue el rescate del olvido de esta mujer que, como muchas otras, fue maltratada por una sociedad que nunca las tomó en serio a pesar de su talento.

 

 

«EL TORMENTO Y EL ÉXTASIS» (1965)

 

 

Volvemos atrás en el tiempo, al Renacimiento, una época en la que el desarrollo de las artes se encontraba en auge. En Italia, el mecenazgo de varias familias, como Los Medici en Florencia, y el de la Iglesia Católica en Roma, posibilitaron la creación de costosas obras de arte que recuperaban la tradición clásica perdida en la Edad Media.

 

 

Gracias a diversas personalidades del mundo del arte, que perfeccionaron su técnica, han llegado a nuestros días piezas de alto valor, virtuosismo y belleza. Artistas como Rafael, Leonardo da Vinci y Miguel Ángel entre otros.
Este último sería el personaje protagonista de la película de Carol Reed, que tuvo a Charlton Heston como el artista del David.

 

 

Nos encontramos en Roma, siglo XVI; el papa Julio II ha encargado una serie de reformas para convertir San Pedro en el mayor templo de la cristiandad. Uno de los artistas a los que le llegan estos encargos es Miguel Ángel, un escultor que ya había trabajado en la ciudad con la creación de su Piedad.

 

 

 

El pontífice le encarga que pinte de la Capilla Sixtina, lugar donde se lleva a cabo el cónclave de cardenales para elegir a un nuevo papa, tras la muerte del predecesor.
Miguel Ángel, sin embargo, rechaza el encargo tras desentenderse el pontífice del anterior encargo realizado al artista (su tumba, de la que nos queda el imponente Moisés).

 

 

Tras amenazarle de excomunión, el papa consigue el regreso del artista quien se toma cuatro largos años para la realización de los espectaculares frescos que aún continúan dejando con la boca abierta al público de todas partes del mundo.

 

 

La película se centra en la relación conflictiva que mantuvieron artista y pontífice durante la realización del encargo. El carácter duro del artista se contrapone a su perfección en una tarea que es, ante todo, solitario y agotadora.

 

 

La película, basada en una novela de Irving Stone, fue nominada a 5 premios Oscars, y se convirtió en un clásico que todo fan de la historia y del arte debería conocer.

 

 

«LA JOVEN DE LA PERLA» (2003)

 

 

Avanzamos hasta el siglo XVII, en el que el Barroco sucedió al Renacimiento y el centro artístico más influyente salió de Italia, para dejarnos obras maestras en España, Francia y, como no, en Flandes.

 

 

Es aquí, en Holanda, donde la pintura alcanza una perfección nunca antes vista, con artistas de la talla de Rembrandt y Johannes Vermeer, protagonista de este filme protagonizado por Scarlett Johansson y Colin Firth.

 

 

 

Una joven, Grit, entra en el servicio del pintor Vermeer para realizar tareas del hogar. Sin embargo, el artista, consciente de la sensibilidad de la criada, quien da muestras de tener grandes dotes para percibir la luz, la introduce en el mundo de la pintura y se convierte en su musa.

 

 

La película, que tiene como principal atractivo la creación de uno de los cuadros más cautivantes de la historia («La joven de la perla»), se basa en los celos y las normas sociales para crear el conflicto y, así, mantener el ritmo de la película.

 

 

De la película se alabó su perfección artística; la fotografía, el atrezzo y decorado consiguen una ambientación sobresaliente de la Holanda del XVII.

 

 

«BIG EYES» (2014)

 

En esta película, Tim Burton abandona su lado más tenebroso y nos deja uno de sus trabajos más comerciales.
Retomamos a la mujer como artista y, otra vez, nos la encontramos en conflicto por la poca consideración que se le presta a su obra, por el mero hecho de ser mujer.  De hecho, se muestra cómo es el marido quien firma los primeros cuadros, con la excusa de que sería más fácil venderlos y exponerlos si los había hecho un hombre.

 

 

Margaret Kane fue una artista que logró, en los 60, gran fama gracias a sus cuadros en los que destacaban los grandes y profundos ojos de sus protagonistas.

 

 

La película se centra en la relación con su marido, que pasa de idílica a un verdadero tormento y una lucha por sus derechos e independencia como autora de sus obras. Cabe destacar la actuación de su protagonista, Amy Adams, que fue galardonada con el Globo de Oro por meterse en el papel de Margaret Kane.

 

 

«Andrei Rublev» (1966)

 

 

 

La biografía del artista de iconos ruso es sin duda, una de las películas mejor valoradas de Tarkovski. El cineasta soviético se sirve de la vida de Rublevs para hacer un minucioso retrato de la vida social, política y artística en la Rusia de principios del siglo XV.

 

 

 

Hay poca información sobre la vida de Rubliov. No se sabe dónde nació, pero se cree casi con seguridad que vivió en el monasterio de la Santísima Trinidad y San Sergio, en la ciudad de Sérguiev Posad, al nordeste de Moscú.
Su primera obra conocida data de 1405, cuando decoró con iconos y frescos la catedral de la Anunciación del Kremlin de Moscú, junto con Teófanes el Griego .

 

 

 

El popular ícono de «La Trinidad» es la obra más famosa de Rubliov, pintado probablemente entre 1422 y 1428 para la Catedral de la Trinidad.
La belleza y armonía del icono, ejecutado con sorprendente inspiración y maestría, sirvieron de modelo excelso a los artistas rusos de épocas posteriores.

 

 

En el libro «Esculpir en el tiempo» de Andrei Tarkovski, nos cuenta sus objetivos con esta película:

 

 

1) La función sacra del arte

«El trascender en nombre de un quehacer superior una verdad ‘baja’, experimentada en toda su crueldad: ésa es la verdadera misión del arte, que en esencia es algo casi religioso, una toma de conciencia sagrada de un alto deber espiritual.»

 

2) Contexto histórico

«Quería que aquella película narrara cómo en la época del fratricidio y del yugo tártaro nacía un deseo nacional de fraternidad, del que surgía la genial Trinidad de Andrei Rublev, el ideal de hermandad, de amor y de la fe reconciliadora.»

3) Tema e intención moral

«Al principio parece que para su protagonista la cruel verdad vital está en contradicción absoluta con el ideal de la armonía de su creación artística. Pero la afirmación central de la película es precisamente el hecho de que un artista sólo será capaz de expresar el ideal moral de una época si no huye de sus sangrientas heridas, si las vive en su propio cuerpo, en su propia vida.»

 

 

4) Estructura fílmica

«El guión constaba de varias novelas episódicas, aisladas, en las que ni siquiera siempre aparece Rublev. Pero en estos casos por lo menos debía aparecer la vida de su espíritu, el aliento del ambiente que determinaba su relación con el mundo. Las novelas iban enlazadas no por una cronología lineal, sino por la lógica poética que obligó a Rublev a crear su famosa Trinidad. »

 

 

5) Los actores

«La tarea primordial de un director al elaborar una escena de una película consiste en poner a los actores en un estado anímico auténtico, convincente. Y esto, por supuesto, se consigue con cada actor de una forma distinta.»

(Acerca de Kolia Burljaiev, actor que interpreta a Boris, el hijo del campanero) «Durante la fase de rodaje hice que mis ayudantes corrieran el rumor de que yo estaba absolutamente descontento con su trabajo y que quizá hiciese que sus escenas se repitieran con otro actor. Para mí, era urgentemente necesario que sintiera a sus espaldas una amenaza, un peligro, y que se mostrara inseguro. Y que expresara esa inseguridad ante la cámara…»

 

 

6) El ritmo

«La imagen fílmica está completamente dominada por el ritmo, que reproduce el flujo del tiempo dentro de una toma.»

«…el ritmo cinematográfico está determinado no por la duración de los planos montados, sino por la tensión del tiempo que transcurre en ellos.»

 

7) La belleza

«La belleza radica en la verdad de la vida, cuando ésta es recogida de nuevo por el artista y configurada con sinceridad plena.»

 

 

8) El público

«¿Es que un autor le puede decir algo al espectador cuando no comparte con él el esfuerzo y la alegría de la creación de una imagen?»

«…dejar que (el espectador) componga la unidad de la película partiendo de sus partes, pudiendo añadir en sus pensamientos elementos propios.»

(FRAGMENTO DE LA CRÍTICA DEL USUARIO «SERVADAC» EN FILMAFFINITY

 

 

 

EL ARCA RUSA (2002)

 

 

La película tiene el mérito de ser la primera película grabada en plano secuencia con cámara digital. No se si decir de ella que es una película, un documental o un experimento, pero es algo digno de ver para todos los amantes del arte y del cine.

 

 

Relata la llegada del Marqués de Coustine, un diplomático francés del siglo XVIII con una relación de amor/odio hacia Rusia. El marqués se encuentra en un viaje en el tiempo en el Palacio de Invierno de San Petersburgo, desde los tiempos de Pedro el Grande hasta nuestros días.

 

 

Puede sonar raro, pero es tal y como lo habéis leído. El marqués irá paseando por las diferentes estancias del actual museo del Hermitage, mientras dialoga con el director y cámara Aleksandr Sokurov, al que no vemos en ningún momento.

 

2000 actores. 300 años de la historia de Rusia. 33 habitaciones del museo Hermitage. 3 orquestas tocando en directo. 1 única escena. Un aristócrata francés del siglo XIX se pasea por el museo Hermitage de San Petersburgo encontrándose con personajes de la historia de Rusia. Publicitada como la única película en la historia del cine que está filmada en una sola toma. 96 minutos rodados en un plano con una cámara digital de alta definición. Su virtuosismo, su complejidad y su originalidad consiguieron el unánime aplauso de la crítica, que la alabaron con unas críticas tan impresionantes como el alarde de la propuesta.

(FILMAFFINITY)

 

 

La lista puede ser aún más larga, pero eso lo dejaré para una segunda parte. Con esto quería mostrar cómo el cine le debe mucho a la pintura, así como la pintura al cine.

 

 

La vida de los artistas, a pesar de los años y siglos pasados, sigue llenando nuestras pantallas con la grandiosidad de sus obras.

 

 

Ángel Cuesta